Rudolf Nureyev

Rudolf Nureyev Khametovich (17 de Março de 1938-6 Janeiro de 1993) foi um bailarino, um dos mais célebres do século 20. Habilidades artísticas de Nureyev que explorou áreas expressivas da dança, proporcionando um novo papel para o dançarino de balé que já servia somente como apoio para as mulheres.

Originalmente um cidadão soviético , Nureyev desertou para o Ocidente em 1961, apesar da KGB ter feito esforços para detê-lo. De acordo com arquivos do KGB estudado por Peter Watson, Nikita Khrushchev , pessoalmente, assinou uma ordem para que Nureyev fosse morto.

 Início da vida e carreira no Ballet Kirov

Nureyev nasceu em um Trans-Siberian trem perto de Irkutsk , na Sibéria , União Soviética, enquanto sua mãe estava viajando Feride a Vladivostok , onde seu pai Hamit, um Exército Vermelho comissário político , estava estacionado. Ele foi criado como filho único em um Bashkir - Tatar família em um vilarejo perto de Ufa na república soviética do Bashkortostan . Quando sua mãe o levou e suas irmãs em uma performance do "Cântico dos Cranes" ballet, ele se apaixonou com a dança. Quando criança, ele foi incentivado a dançar em Bashkir performances folclóricas e sua precocidade foi logo notada pela professores que o encorajaram a treinar em Leningrado .

 Em uma parada da turnê em Moscou com uma companhia de balé local, Nureyev fez o teste para o Bolshoi companhia de balé e foi aceito. No entanto, ele sentiu que o Kirov Ballet da escola foi o melhor, então ele deixou a empresa de turismo local e comprou um bilhete para Leningrado.

Devido à perturbação da vida cultural soviética causada pela Segunda Guerra Mundial, Nureyev foi incapaz de se inscrever em uma grande escola de ballet até 1955, de 17 anos, quando ele foi aceito pela Escola Coreográfica de Leningrado , a escola associada do Ballet Kirov.

Alexander Ivanovich Pushkin teve um interesse nele profissionalmente e permitiu Nureyev para viver com ele e sua esposa. Após a formatura, Nureyev continuou com o Kirov e passou a se tornar um solista.

Em seus três anos com o Kirov, ele dançou quinze papéis, geralmente em frente a sua companheira, Ninel Kurgapkina , com quem foi muito bem emparelhado, embora fosse quase uma década mais velho que ele.

Ele se tornou um dos dançarinos da União Soviética mais conhecido e foi autorizado a viajar para fora da União Soviética, quando dançou em Viena no Festival Internacional da Juventude. Não muito tempo depois, ele foi informado pelo Ministério da Cultura que não seriam autorizados a viajar para o exterior novamente.

Deserção

Rudolf Nureyev em sua deserção da União Soviética de 1961.

Ao final dos anos 1950, Nureyev se tornou uma sensação na União Soviética. No entanto, como o Ballet Kirov estava se preparando para ir em uma turnê européia, o caráter rebelde Nureyev e uma atitude não-conformista rapidamente fez dele o candidato improvável para uma viagem para o Ocidente, que era para ser de importância crucial para as ambições do governo soviético para retratar a sua supremacia cultural. No entanto, em 1961, o bailarino principal do Kirov do sexo masculino, Konstantin Sergeyev , foi ferido, e Nureyev foi escolhido para substituí-lo na turnê europeia do Kirov. Em Paris, suas performances eletrificou plateias e críticos. Oliver Merlin no Le Monde escreveu:

Eu nunca vou esquecer a sua chegada em execução em toda a volta do palco, e sua maneira felina de manter-se em frente à rampa. Ele usava uma faixa branca sobre um traje azul ultramarino, tinha grandes olhos selvagens e bochechas ocas sob um turbante coberto com um spray de penas, abaulamento coxas, meias imaculadas.

 Isso já era Nijinsky em Firebird.

Nureyev foi visto ter quebrado as regras sobre misturando-se com estrangeiros, o que alarmou a gestão de Kirov.

O KGB queria mandá-lo de volta à União Soviética imediatamente. Como subterfúgio, disseram-lhe que ele não iria viajar com a empresa para Londres para continuar a turnê, porque ele era necessário para dançar em uma apresentação especial no Kremlin . Quando isso não funcionou, disseram-lhe sua mãe tinha caído gravemente doente e que precisava voltar para casa imediatamente ao vê-la. Ele sabia que estes eram mentiras e acreditava que, se ele voltou para a URSS, ele provavelmente seria preso, porque os agentes da KGB estavam investigando ele.

Em 16 de Junho 1961 no aeroporto de Le Bourget , em Paris, Rudolf Nureyev desertou com a ajuda da polícia francesa e uma amiga socialite Paris - Clara Santa. Dentro de uma semana, ele foi contratado pelo Ballet du Grand Marquis de Cuevas e estava realizando A Bela Adormecida com Nina Vyroubova . Em uma excursão da Dinamarca conheceu Erik Bruhn , solista no Royal Ballet da Dinamarca que se tornou seu amante, seu melhor amigo e seu protetor até a morte Bruhn, em 1986.

Embora ele pediu ao governo soviético por muitos anos para ter permissão para visitar sua mãe, ele não estava autorizado a fazê-lo até 1987, quando sua mãe estava morrendo e Mikhail Gorbachev concordou com a visita. Em 1989, ele foi convidado para dançar o papel de James em La Sylphide com o Balé Kirov no teatro Maryinsky em Leningrado. A visita deu-lhe a oportunidade de ver muitos dos professores e colegas, ele não tinha visto desde que ele desertou .

Royal Ballet

 

Primeira aparição Nureyev na Grã-Bretanha estava em uma matinée balé organizado pelo Royal Ballet da Prima Ballerina Dame Margot Fonteyn . O evento foi realizado em prol da Royal Academy of Dance , uma organização de ensino de ballet clássico do qual ela era presidente. Ele dançou Poeme Tragique, um solo coreografado por Frederick Ashton , eo Cisne Negro pas de deux de O Lago dos Cisnes .

Dame Ninette de Valois lhe ofereceu um contrato para participar do Royal Ballet como bailarino principal. Sua primeira aparição com a empresa foi a parceria Margot Fonteyn em Giselle em 21 de Fevereiro de 1962. Fonteyn e Nureyev viria a formar uma parceria. Nureyev ficou com o Royal Ballet até 1970, quando foi promovido ao Artista Convidado Principal, permitindo-lhe concentrar-se em sua agenda crescente de aparições internacionais e passeios. Ele continuou a se apresentar regularmente com o Royal Ballet, até cometer o seu futuro para o Ballet Ópera de Paris na década de 1980.

Nureyev e parcerias de dança

Rudolf Nureyev e Margot Fonteyn no adágio Grande do teste de Nureyev do Petipa / Minkus O Reino das Sombras para o Royal Ballet, de Londres , 1963.

Rudolph Nureyev e Margot Fonteyn tornou-se parceiros de dança de longa data e continuaram a dançar juntos por muitos anos após a partida de Nureyev desde o Royal Ballet. Sua última performance juntos foi no estilo barroco Pas de Trois em 16 de Setembro de 1988, quando foi de 69 Fonteyn, Nureyev foi aos 50 anos, com Carla Fracci também estrelado, aos 52 anos. Nureyev disse certa vez de que eles Fonteyn dançou com "um só corpo, uma só alma".

Juntos Nureyev e Fonteyn estreou Sir Frederick Ashton 's ballet Marguerite e Armand , um balé dançado Liszt 's Piano Sonata em B menor , que se tornou a sua parte da assinatura. Kenneth MacMillan foi forçado a permitir-lhes a estréia de seu Romeu e Julieta , que era destinado a duas outras dançarinas, Lynn Seymour e Christopher Gable . Filmes existir da sua parceria em Les Sylphides , Lago dos Cisnes, Romeu e Julieta, e outros papéis.

Nureyev dançou com muitas das melhores bailarinas de seu tempo. Ele celebrou mais uma parceria de longa data com Prima Ballerina assoluta Eva Evdokimova . Eles apareceram pela primeira vez juntos em La Sylphide (1971) e em 1975 ele escolheu como sua Bela Adormecida na sua encenação para London Festival Ballet . Evdokimova manteve seu parceiro de eleição para muitas aparições e passeios em todo o mundo com "Nureyev e amigos" há mais de quinze anos.

Cinema e televisão

Em 1962, Nureyev fez sua estréia no cinema em uma versão cinematográfica de Les Sylphides . Em 1977 ele jogou Rudolph Valentino no Ken Russell 's Valentino , mas ele decidiu contra a carreira de ator, a fim de ramo em dança moderna com o Ballet Nacional Holandês , em 1968. Em 1972, Sir Robert Helpmann convidou para turnê na Austrália com a sua própria produção de Don Quixote , [16] sua estréia como diretor. A versão cinematográfica (1973) apresenta Nureyev, Lucette Aldous como Kitri, Helpmann como Dom Quixote e artistas do Australian Ballet.

Durante a década de 1970, Nureyev apareceu em vários filmes e excursionou pelos Estados Unidos em um revival do musical da Broadway O Rei e eu . Ele foi um dos convidados na série de televisão The Muppet Show , onde ele dançou em uma paródia chamada suína Lake , cantou Baby, é parte externa fria em um dueto sauna com Miss Piggy , e cantou e toque-dançou no final do show, Top Hat, White Tie e Tails . Em 1981, Thames Television filmou um documentário com Nureyev, incluindo um entrevista sincera, bem como o acesso a ele no estúdio, ensaiando. Em 1982, ele se tornou um austríaco naturalizado. Em 1983 ele teve um papel não-dança no filme exposto com Nastassja Kinski .

Diretor do Ballet Ópera de Paris

Em 1983, foi nomeado diretor do Ballet Ópera de Paris , onde, além de dirigir, ele continuou a dançar e promover bailarinos mais jovens. Ele permaneceu lá como bailarino e diretor de coreografia até 1989. Entre os dançarinos que eram cuidadas Sylvie Guillem , Isabelle Guérin , Manuel Legris , Elisabeth Maurin , Élisabeth Platel , Charles Jude , e Loudieres Monique . Apesar de o avanço da doença no final de seu mandato, ele trabalhou incansavelmente, encenando novas versões de esperas velhas e comissionamento algumas das obras mais inovador coreográficas de seu tempo. Seu próprio Romeu e Julieta foi um sucesso popular.

Personalidade

Nureyev no vestiário, em 1974, por Allan Warren .

Nureyev não tinha muita paciência com as regras, limitações e ordem hierárquica e tinha, por vezes, um temperamento volátil. Sua impaciência, principalmente mostrou-se quando as falhas dos outros interferiu com seu trabalho. A maioria das bailarinas com quem dançou, incluindo Antoinette Sibley , Kirkland Gelsey e Annette Página prestou homenagem a ele como um parceiro atencioso.

Ele conviveu com Gore Vidal , Freddie Mercury , Jackie Kennedy Onassis , Mick Jagger , Liza Minnelli , Andy Warhol e Talitha Pol , mas desenvolveu uma intolerância para com as celebridades.

Ele manteve-se velhas amizades dentro e fora do mundo da dança ao longo de décadas, e foi considerado para ser um amigo leal e generoso. Ele era conhecido como extremamente generoso com bailarinas, que muitos creditam a ele com a ajuda-los nos momentos difíceis. Em particular, o canadense Lynn Seymour - afligido quando foi negada a oportunidade de estrear Macmillan Romeu e Julieta - diz que Nureyev frequentemente encontrados projetos para ele mesmo quando ela estava sofrendo de problemas de peso e depressão e, portanto, teve problemas para encontrar funções.

Até o final da década de 1970, quando estava em seus 40 anos, ele continuou a enfrentar grandes papéis clássicos. No entanto, por final dos anos 1980 suas capacidades diminuídas decepcionado seus admiradores que tinham boas lembranças de seu talento excepcional e habilidade.

Sua direção artística do Ballet da Ópera de Paris foi um grande sucesso o levantamento da empresa de um período negro. Sua Bela Adormecida permanece no repertório e foi revivido e filmado com seu protegido Manuel Legris na liderança. Quando ele estava doente no final de sua vida, ele trabalhou em uma produção final de La Bayadère , que segue de perto o Kirov Ballet versão ele dançava como um homem jovem.

Anos finais

Quando a AIDS apareceu na França em 1982, Nureyev teve pouca atenção. Testou positivo para HIV em 1984, mas durante vários anos, ele simplesmente negou que algo estava errado com sua saúde. Nureyev começou um declínio marcado apenas no verão de 1991 e entrou na fase final da doença, na primavera de 1992.

Em março de 1992, Rudolf Nureyev, que vivem com SIDA avançada, visitou Kazan e apareceu como um condutor na frente do público em Musa Calil Tatar Acadêmico de Ópera e Ballet Theater em Kazan, que agora apresenta a Rudolf Nureyev Festival no Tartaristão.

 Voltando a Paris, com febre alta, ele foi internado no hospital de Notre Dame du Perpétuel Secours em Levallois-Perret , a noroeste subúrbio de Paris, e foi operado de pericardite , uma inflamação do saco membranoso que envolve o coração. Naquela época, o que o inspirou para combater a sua doença era a esperança de que ele poderia cumprir um convite para realizar Prokofiev 's Romeu e Julieta em um American Ballet Theater "benefício s em 6 de Maio de 1992, no Metropolitan Opera House em Nova York. Ele fez isso e foi exaltado na recepção.

Em julho de 1992, Nureyev mostrou sinais renovados de pericardite, mas determinado a renegar o tratamento posterior. Sua última aparição pública em 8 de Outubro de 1992, na estréia no Palais Garnier de uma nova produção de La Bayadère que ele coreografou depois de Marius Petipa para o Ballet Ópera de Paris . Nureyev tinha conseguido obter uma cópia da partitura original por Minkus quando na Rússia em 1989.

Isto significa que o total de quatro atos do balé poderia ser realizada pela primeira vez no ocidente desde a revolução russa.  O balé foi um triunfo pessoal, embora a gravidade de sua condição era evidente. O ministro da Cultura francês , Jack Lang , apresentou-o naquela noite no palco com a mais alta condecoração cultural da França, a Commandeur de l' Ordre des Arts et des Lettres

 

Morte funeral, e homenagens

Túmulo Nureyev em Sainte-Geneviève-des-Bois desenhado por Ezio Frigerio executado em mosaico por Akomena.

Nureyev entrou no hospital Notre Dame du Perpétuel Secours em Levallois-Perret, em 20 de Novembro de 1992 e lá permaneceu até sua morte por complicações cardíacas, alguns meses depois, de 54 anos. Seu funeral foi realizado no salão de mármore da Garnier da Ópera de Paris. Muitos pagaram tributos a seu brilhantismo como dançarina. Uma homenagem como veio de Oleg Vinogradov do Ballet Kirov em St. Petersburg, Rússia,

O que Nureyev fez no oeste, ele nunca poderia ter feito aqui.

Sepultura de Nureyev, em um cemitério russo em Sainte-Geneviève-des-Bois , perto de Paris, dispõe de um túmulo coberto por um mosaico de um tapete oriental. Nureyev era um ávido colecionador de belos tapetes e têxteis antigos. Como seu caixão foi abaixado no chão, música do último ato de Giselle foi jogado e seus sapatos de ballet foram lançados na cova junto com lírios brancos.

 

Depois de tantos anos de ter sido negado um lugar na história do Ballet Kirov, reputação Nureyev foi restaurada. Seu nome foi reentrou na história do Kirov e alguns de seus pertences pessoais foram colocados em exposição no Museu do Teatro em São . Petersburgo. Na famosa Academia Vaganova uma sala de ensaio foi nomeado em sua honra.

Influência

Influência Nureyev sobre o mundo do balé mudou a percepção de bailarinos do sexo masculino, em suas próprias produções dos clássicos dos papéis masculinos receberam coreografia muito mais. influência Outra importante foi a sua passagem das fronteiras entre o balé clássico e dança moderna através da realização de ambos. Hoje é normal para os bailarinos para receber treinamento em ambos os estilos, mas Nureyev foi o criador e se destacou na dança moderna e clássica. Ele saiu de sua maneira de trabalhar com dança moderna grande, Martha Graham , e ela criou uma obra especialmente para ele. Enquanto Gene Kelly tinha feito muito para combinar estilos clássico e moderno no cinema, ele veio de uma dança mais moderna influenciado "popular dança" meio ambiente, enquanto Nureyev fez grandes avanços na conquista da aceitação de Dança Moderna na esfera " Ballet Classical ".

Natalia Makarova

Natália Makarova, lenda viva do balé e musa dos mais importantes coreógrafos da nossa era: para ela, Robbins criou Other Dances; Sir Ashton fez Rossignol; Tetley dedicou-lhe Contradance; Béjart, Mephisto; Petit deu Blue Angel e Neumeier.
Uma excelente bailarina, coreógrafa e atriz , teve participações em filmes e na rádio.
Makarova iniciou seus estudos na Escola Vaganova aos 13 anos e condensou nove anos de estudos em seis. Formada em 1959, integrou o Kirov e já em 1961 dançava Giselle em Londres com a companhia russa.
Em 1970, numa turnê, surpreendeu o mundo pedindo asilo na Grã-Bretanha. Neste ano juntou-se ao American Ballet Theater, com quem dançaria um vasto repertório. Em 1972 iniciou um longo relacionamento profissional com o Royal Ballet. Como convidada esteve à frente das mais importantes companhias do mundo (Ópera de Paris, La Scala e Ballet de Marseille).

Sua montagem do Ato das Sombras de La Bayadère para o American Ballet Theater foi em 1974. Seis anos depois ela criaria a produção completa, fazendo do ABT a primeira companhia ocidental a ter este balé.
Desde 1919, com os tremores da Revolução Russa, o último ato estava perdido. A coreografia de Makarova reconstrói a estrutura dramática original desta obra-prima de Petipa. O Ato das Sombras foi remontado por ela para numerosas companhias mundo afora, entre elas as do Teatro Colón e do próprio Municipal do Rio, Balé do Canadá, Royal Swedish Ballet, La Scala de Milão e Balé de Santiago. Montou ainda para diversas companhias novas produções de Lago dos Cisnes e Paquita.
Em 1988, Makarova voltou a dançar com o Kirov um trecho do Lago dos Cisnes em Londres. No ano seguinte, voltou à Rússia, a primeira artista no exílo a ser convidada de volta à terra natal.

Em 1991, fez sua estréia como atriz em Londres com Tovarich e, no ano seguinte, voltou à Rússia com Two for the Seesaw. Em 1995, dançou no Festival Fellini, em Roma, um balé especialmente criado para ela e Jean Babilee, como Giulietta Masina e Fellini.
Na Broadway, fez o premiadíssimo musical – ela ganhou inclusive o prêmio Tony - On Your Toes. Em 1997, estrelou em Londres Misalliance, de Bernard Shaw. Encerrou em junho de 2000 uma temporada em Londres de Blith Spirit de Noel Coward.

Para a TV, além de ter registrado diversos balés (inclusive La Bayadère) fez diversas séries (Ballerina, Assoluta e The Leningrad Legend para a BBC, entre outros); escreveu e apresentou o documentário St Petersburg to Tashkent; gravou a narração de diversas histórias; escreveu uma festejada autobiografia

Bailarina russa, nascida em Leningrado, em 1940. Iniciou suas aulas de balé aos 13 anos.
Estudou no Kirov Ballet School e com seu talento garantiu sua participação no Kirov Ballet em 1959.
Partiu para o The American Ballet Theatre em 1970, quando abandonou o Ballet Kirov e buscou asilo no Ocidente. Ddesde aquele momento desenvolveu uma carreira internacional fulgurante.

Sua interpretação de alguns papéis do repertório clássico como Giselle ou Odette-Odile é já lendária.
Por outro lado, em meados da década de 80, começou a ensinar alguns destes papéis a bailarinas jovens. conquistando o mundo com sua graça e precisão de movimentos.

Sua relação com o Royal Ballet teve início em 1972.
Seu repertório de apresentações inclui "Giselle", "Romeu e Julieta", "Lago dos Cisnes",
"A Bela Adormecida" e muitos outros balés.

Makarova foi a única artista exilada convidada a retornar à Rússia para se apresentar.

Hoje ela trabalha para as maiores companhias de balé produzindo espetáculos com sua genialidade e perfeição.

Maurice Béjart

Maurice Béjart, nome artístico de Maurice-Jean Berger, (Marselha, 1 de Janeiro de 1927 — Lausana, 22 de Novembro de 2007) foi um dançarino e coreógrafo francês.
Fundou em 1953, ao lado de Jean Laurent, Les Ballets de l'Etoile, mais tarde rebatizado de Ballet-Théâtre de Paris. Com o lançamento de seu primeiro grande sucesso, Symphonie pour un homme seul (1955), foi convidado pelo Théâtre Royal de la Monnaie, em Bruxelas, a criar um balé para seu corpo de baile: assim nasceu sua obra prima. Le Sacre du printemps, em 1959.
Coreografou mais de duzentos balés, a maioria deles para sua própria companhia.

 Em Bruxelas, Béjart fundou o Balé do Século XX, que por três décadas maravilhou o mundo da dança, até ser transformado, em 1987, no Béjart Ballet Lausanne. Seguidor de culturas orientais, imprimiu em sua obra a marca dos gestos brilhantes com uma produção sensacionalista, muitas vezes com inserção de trechos falados. Seus críticos atacaram os temas filosóficos exagerados e a forma arrogante de utilizar a música. Mesmo assim, atraiu várias estrelas da dança, como Rudolf Nureyev, Maya Pilsetskaya e Suzanne Farrell.
Béjart deu uma nova guinada em 1992 ao extinguir o Béjart Ballet Lausanne e criar um novo grupo, o Mudra, de infraestrutura menor, e com isso por em prática as teorias do centro que fundara em 1970 para pesquisar formas inovadoras de expressão.

O bailarino e coreógrafo Maurice Béjart nasceu em Marselha, no sul da França, em 1º de janeiro de 1927. Seu verdadeiro nome era Maurice-Jean Berger. Apesar de ser formado em Filosofia, dedicou-se à dança desde os 14 anos, seguindo o conselho de seu médico, que considerava a constituição física de Béjart muito frágil. Influenciado pelo filósofo alemão Friedrich Nietzsche, Béjart dizia que o balé é "um alegre saber".
Depois de fazer sua formação de bailarino clássico em Londres e Paris, onde estudou com os conceituados professores Léo Staats, Madame Egorova e Madame Roussane, passou a dançar nas companhias de Jamine Charrat e Roland Petit. Foi em uma turnê com o Balé Cullberg, no qual dançava desde 1949, que Béjart despertou para a necessidade de se criar coreografias mais expressivas. Assinou a primeira delas em 1952, para o filme sueco "L'oiseau de feu" ("O pássaro de fogo"), em que ele é o principal intérprete.

De personalidade irrequieta e inconformada, Béjart não aceitava que o balé fosse uma arte "separada das massas". Tentando aproximar o grande público e a dança, decidiu inovar e elaborou a arrojada coreografia "Sinfonia para um homem só", sobre a música de vanguarda de Pierre Henry e Pierre Schaeffer. O balé, no entanto, desagradou aos círculos tradicionais de dança e a parcela da crítica. Segundo o coreógrafo Jean-Claude Gallotta, "Sinfonia para um homem só" foi uma revolução "mais sociológica que artística", pois Béjart conservou a técnica clássica, mas transformou a alma do balé em algo sagrado e, ao mesmo tempo, sensual.

Rejeitado na França, o bailarino não desistiu. Instalou-se em Bruxelas, na Bélgica, onde sua coreografia para a "Sagração da Primavera", de Igor Stravinsky, teve um acolhimento triunfal no Teatro Real de La Monnaie. Um ano mais tarde, fundou a companhia Balé do Século 20, grupo que somou êxito após êxito, não apenas na capital belga, mas em inúmeros países.
Das coreografias que assinou ao longo dos anos, tiveram especial repercussão "Bolero" (1960), "Nona sinfonia" (1964), "Romeu e Julieta" (1966), "Missa do tempo presente" (1967) e "Malraux ou a metamorfose dos deuses" (1986).
Depois de uma discussão com Gérard Mostier, diretor do Teatro Real de La Monnaie, Maurice Béjart prosseguiu seu trabalho, a partir de 1987, na Suíça, rebatizando sua companhia com o nome de Balé Béjart Lausanne e, em seguida, Balé Rudra Béjart.

Nos últimos anos, suas criações tornaram-se ainda mais ambiciosas, como nos casos de "Ring um den Ring" (1990), sobre música de Richard Wagner, e "MutationX" (1998), além das coreografias realizadas já no século 21: "Madre Teresa e as crianças do mundo" (2002), "Adeus, Federico" (2003, dedicada ao cineasta Federico Fellini) e "Zaratustra" (2006, inspirada na obra "Assim falou Zaratustra", de Friedrich Nietzsche).
Maurice Béjart também se dedicou ao ensino, compartilhando sua experiência por meio de duas escolas: Mudra, fundada em 1970, na cidade de Bruxelas, e Rudra, criada em Lausanne, no ano de 1992. Um de seus principais ensinamentos está resumido na frase que ele próprio criou, a fim de definir o que é a dança: "Um mínimo de explicação, um mínimo de anedotas e um máximo de sensações".

As companhias de dança fundadas por Béjart atuaram não apenas nos mais famosos teatros do mundo, mas, seguindo o sonho de aproximar o balé das massas, apresentaram-se em estádios desportivos e circos. Béjart criou cerca de 140 coreografias, nas quais somou à dança efeitos teatrais, textos literários e elementos de multimídia, criando uma arte desmesurada, na qual se misturam o cinema, o teatro e a ópera.
Béjart foi condecorado com a Ordem do Sol Nascente (1986) pelo imperador japonês Hiroito, nomeado Grande Oficial da Coroa (1988) pelo rei Balduíno, da Bélgica, e eleito, em 1994, membro da Academia Francesa de Belas Artes.
Nos últimos anos, com a saúde debilitada, seguiu dirigindo sua companhia de balé. Em uma de suas muitas entrevistas, ao ser questionado sobre a proximidade da morte, Béjart respondeu: "Eu creio que a gente morre sempre a tempo. O tempo é contado de maneira diferente para cada,m 0oi,m , um, mas nós morremos a tempo".

Béjart faleceu em 22 de novembro de 2007, aos 80 anos, no Centro Hospitalar de Lausanne, na Suíça. Ao ser informado do falecimento, o bailarino Patrick Dupond afirmou: "Sem dúvida, agora, ele deve estar começando a fazer as estrelas dançarem". E não foi menor o elogio da célebre bailarina italiana Carla Fracci, de 71 anos: "O Deus da dança morreu".

Roger Garaudy, filósofo, chama a dança de Maurice Bejart de dança prospectiva, pois ela traduz sempre um grande esforço para participar da invenção do futuro. Suas criações não negam o passado da dança, mas sim integra e conecta o novo com a base fundamentada. Sua característica de ação foi não se prender nem à dança clássica nem à dança moderna mas ser uma síntese de ambas em benefício do que se pretendeu comunicar pelo movimento.

Uma coreografia de Bejart se inspiravo no pensamento “Uma quarta dimensão revelaria aspectos ignorados do ser. É a secção do ser pela existência.” Outro tema foi “Bendita sejas, matéria mortal, tu que, dissociando-te um dia de nós, irás nos introduzir forçosamente no coração do que verdadeiramente existe.”

É muito presente a religiosidade transcendente nas obras de Maurice Bejart, ele via na dança, como na filosofia, como na fé, como em todas as artes uma forma de  buscar o ser divino que há em nós.
Bejart dizia que era um erro fazer distinção entre a dança clássica e a dança moderna, ele defendia que o melhor era utilizar de todos os artifícios necessários para a idealização da obra coreográfica, usar a técnica acadêmica, a flexibilidade, o teatro, a música e outros.

Sentiu forte inspiração ao ver Martha Graham dançar sentido a forte necessidade de fusão entre o teatro e a dança.
Bejarte dizia que o bailarino era mais importante que a coreografia, que ele era o verdadeiro coreógrafo e que ele, Bejart era o organizador do movimento. ‘Nós coreógrafos estamos aqui apenas para fazer o parto daquilo que os bailarinos trazem dentro deles.” Maurice Bejart 

Pina Bausch

Ela revolucionou o mundo da dança. O “principal produto alemão de exportação“ dança e coreografa em todos os continentes. Mesmo assim, Pina Bausch – altamente talentosa e premiada – se mantém fiel à cidade de Wuppertal.

Os dançarinos em cena não dançam. Correm. Gritam e riem, contam piadas. Alguém derrama água e joga terra no chão do palco. Talvez até cresça grama ali. Piruetas velozes e pernas esticadas para o alto são coisas inexistentes numa encenação dessas. Mas seres humanos – pessoas vivas com medos, amor, tristeza e fúria. "O que me interessa não é como as pessoas se movem, mas sim o que as move”, resume Pina Bausch o propósito de seu trabalho. A artista que se veste permanentemente de preto e calça número 41 é considerada uma das coreógrafas mais importantes do século 20.

A dançarina Pina Bausch rompeu radicalmente com o balé clássico e se voltou contra a tradição da Modern Dance. Essa mulher virou todo o mundo da dança de pernas para o alto em seus 40 anos de trabalho. Teatro-dança é como a maioria denomina o que ela faz. Pina Bausch, no entanto, se refere a uma "abordagem psicológica individual". Cada peça é um novo apelo para que o espectador "confie em si mesmo, se enxergue e se sinta".

Embora a coreógrafa já tenha encenado mais de 30 peças e criado uma nova linhagem da dança, seu trabalho não se torna rotineiro e sempre está ligado a um certo risco. O medo não cessa: medo de fracassar, medo de não terminar a tempo. Afinal, "no princípio era o nada".

Sua carreira começou com aulas de balé. Nascida em 1940, em Solingen, filha de um dono de restaurante, Phillipine Bausch gostava de passar seu tempo debaixo da mesa. Ela costumava passar horas a fio no restaurante dos pais observando os fregueses. "Eu não queria ir para a cama."

Desde cedo se entusiasmou pela dança. As primeiras apresentações lúdicas com o balé infantil ocorreram em Wuppertal e Essen. Com 15 anos, iniciou sua formação de dança na Folkwangschule de Essen, fundada pelo célebre coreógrafo Kurt Joos.

Essen: Escola Superior Folkwang para Música, Teatro e Dança

Quando Pina Bausch se recorda desse período, fala de uma "época excitante". Em Kurt Joos, ela encontrou ao mesmo tempo o "legendário renovador da dança expressiva", um mentor e uma pessoa de confiança. Além disso, especialmente inspiradora era a atmosfera criativa da escola, que até hoje une sob o mesmo teto todas as artes: teatro, música, dança, gravura e pintura. "A gente convivia, enxergava e escutava os demais, aprendia um com o outro", lembra Pina.

Em seus trabalhos tardios, ela viria a conjugar inúmeros elementos de dança, música, linguagem e teatro. Mas, antes de mais nada, a estudante concluiu o curso de Dança e Pedagogia em Dança no ano de 1958. E viajou imediatamente depois aos Estados Unidos, após ter recebido um prêmio de distinção e uma bolsa de estudos da Folkwang.

"Special student" Pina Bausch

"Não me senti nem um pouco sozinha em Nova York", conta ela. Afinal, a "special student" Pina Bausch mal teria tempo para tal. Ela estudou com Antony Tudor e José Limón, dançou na Juillard School of Music e na Metropolitan Opera.

A pedido de Kurt Joos, a jovem dançarina retornou à Alemanha em 1962. E começou a dançar como solista no recém-fundado balé da Folkwang, apresentando-se em Amsterdã, Hamburgo, Londres e no Festival de Salzburgo. Na época, a dançarina ainda não pensava em encenar, embora seus primeiros trabalhos como coreógrafa viessem a surgir alguns anos depois.

Foi com uma bota de sete léguas que Pina Bausch avançou de suas primeiras encenações bem-sucedidas de teatro-dança até o posto de coreógrafa e diretora do corpo de baile de Wuppertal. Após ter recebido o primeiro prêmio num concurso de coreografia de Colônia, ela assumiu a direção do estúdio de dança da Folkwang. Bausch tinha 33 anos quando foi contratada para dirigir o Balé do Teatro de Wuppertal, em 1973.

Companhia de teatro-dança de Wuppertal

A ousadia de vanguarda da jovem coreógrafa chocou inicialmente grande parte do público. O que ocorria no palco muitas vezes não era aquilo que constava do programa impresso. Os bailarinos não necessariamente dançavam, mas, no mais, pareciam fazer de tudo... O público expressava sua indignação vaiando ou retirando-se do recinto, sem esquecer de bater a porta. Até telefonemas anônimos com ameaças ela chegou a receber.

A ruptura de tradições foi uma tarefa árdua, sobretudo num teatro subvencionado pelo Estado. Mas Pina Bausch não se deixou dissuadir de sua concepção de dança, para a qual não existem instruções de uso. Sua versão de Iphigenie auf Tauris (Ifigênia em Táuris), de 1974, foi recebida pela crítica como um dos acontecimentos mais importantes da temporada de dança.

Cavaleira da Legião de Honra

Com uma montagem de Brecht e Weill, Pina Bausch rompeu definitivamente com todas as formas tradicionais do teatro-dança em 1976. Ela se voltou para uma dança cênica obstinada e contundente, diretamente ligada ao teatro falado. Colagens de música popular, clássica, free jazz e enredos fragmentários culminaram numa nova forma de encenação, caracterizada por ações paralelas, contraposições estéticas e uma linguagem corporal incomum para a época.

Sua companhia se tornou a principal representante da dança da Alemanha Ocidental no exterior. Turnês em todos os continentes foram e continuam tendo uma recepção altamente entusiástica. Pina Bausch começou a acumular prêmios de todas as espécies, como o Prêmio Europeu de Teatro, o Praemium Imperiale japonês, a Cruz de Mérito do governo alemão, a condecoração da Legião de Honra, apenas para citar alguns.

Sua comunidade internacional de fãs continua crescendo e se reúne em Wuppertal, o novo local de peregrinação do teatro-dança. Nos palcos internacionais, a companhia de Bausch já se apresentou em co-produções com universidades de dança dos Estados Unidos, do Hong Kong Arts Festival, da Expo 1998 em Portugal, do Theatre de la Ville de Paris e muitos outros.

Cada montagem é única

Companhia de teatro-dança de Wuppertal

"Cada peça é diferente, mas profundamente ligada a mim", descreve Pina Bausch sua acepção de teatro-dança. Seu trabalho combina tristeza e desespero calado com "a expressão calorosa do amor à vida", descreveu uma crítica. "Os temas permanecem os mesmos; o que muda são as cores", explica a coreógrafa. Ao narrar, ela se mantém fiel a determinados princípios: ações simultâneas, marcação das diagonais do palco, repetições propositais e suspense dramático por meio de contraposições e progressões.

Mikhail Baryshnikov

Mikhail Nikolaévich Baryshnikov (russo: "Михаи́л Никола́евич Бары́шников",letão: Mihails Barišņikovs, Riga, 28 de Janeiro de 1948)[1] é um bailarino, coreógrafo e ator. Nascido na Letônia e naturalizado norte-americano, Baryshnikov é frequentemente citado ao lado de Vaslav Nijinsky e Rudolf Nureyev como um dos maiores bailarinos da história. Após um promissor início de carreira no Kirov Ballet em Leningrado, ele foi ao Canadá, em 1974, em busca de maiores oportunidades na dança ocidental. Após atuar como autônomo ao lado de várias companhias, juntou-se à Companhia de Ballet de Nova Iorque como solista para aprender o estilo de movimento de George Balanchine. Ele dançou com a companhia American Ballet Theatre, onde posteriormente se tornou diretor artístico.

Baryshnikov liderou muitos de seus próprios projetos artísticos e foi associado principalmente à promoção da dança moderna, lançando dezenas de novos trabalhos, incluindo muitos dele próprio. Seu sucesso como ator no teatro, cinema e televisão o ajudaram a se tornar provavelmente o mais largamente reconhecido bailarino contemporâneo. Em 1977, ele recebeu uma indicação para o Oscar de Melhor Ator Coadjuvante e para o Globo de Ouro por seu trabalho como "Yuri Kopeikine" no filme "O Ponto de Mutação (filme)"

Baryshnikov começou seus estudos de balé em 1960. Em 1964, ele entrou na Escola Vaganova, na então Leningrado, logo na conquista do primeiro prêmio, na divisão júnior do Concurso Internacional Varna. Ele entrou o Balé Kirov e fez sua estréia no Teatro Mariinsky, em 1967, dançando o "camponês" pas de deux de Giselle. O talento de Baryshnikov, em particular a força de sua fase de sua presença e pureza técnica clássica, foi reconhecido por vários coreógrafos soviéticos, incluindo Oleg Vinogradov, Konstantin Sergeyev, Igor Tchernichov, e Leonid Jakobson bailado criado por ele. Jakobson's 1969 virtuosic Vestris juntamente com uma intensidade emocional Albrecht, em Giselle, tornou-se a sua assinatura papéis. Embora ainda na União Soviética, foi chamado pelo crítico Clive Barnes "o mais perfeito bailarino que alguma vez vi".

Enquanto em uma turnê no Canadá com o Balé Kirov em 1974, Baryshnikov mudou de lado, posicionando-se contra o regime ditatorial comunista, pedindo asilo político em Toronto. Ele declarou posteriormente que Christina Berlim, uma amiga americana, o ajudou a planejar sua mudança de lado durante sua turnê 1970 de Londres. Sua primeira performance após a sair do isolamento temporário no Canadá foi com o Balé Nacional do Canadá, em uma versão televisiva de "La Sylphide. Ele então passou a dos Estados Unidos".

De 1974 a 1979, ele foi o principal bailarino do American Ballet Theatre com (ABT), onde ele associa com Gelsey Kirkland. Ele também trabalhou com o New York City Ballet, com George Balanchine. Ele também excursionou com o ballet e dança moderna em companhias ao redor do mundo por quinze meses. Vários papéis foram criados por ele, incluindo os papéis Opus 19: A Dreamer (1979), por Jerome Robbins, Rhapsody (1980), por Frederick Ashton, e Outras Danças (com Natalia Makarova) por Jerome Robbins. Ele retornou a ABT, em 1980 como dançarino e diretor artístico cargo que ocupou durante uma década. Em 3 de julho de 1986, ele se tornou um cidadão naturalizado dos Estados Unidos. De 1990 a 2002, Baryshnikov era diretor artístico da White Oak Dance Project, uma turnê empresa ele co-fundou com Mark Morris. Em 2004 ele lançou o Baryshnikov Arts Centre, em Nova Iorque.

Roland Petit

Roland Petit (13 de janeiro de 1924 - 10 de julho de 2011) foi um coreógrafo francês e bailarino. He trained at the Paris Opéra Ballet school,  e tornou-se conhecido por seus balés criativos.
Petit treinou na Ópera de Paris Ballet escola sob Gustave Ricaux e Serge Lifar e começou a dançar com o corpo de baile em 1940. Ele fundou a des Champs-Élysées Ballets em 1945 e Ballets de Paris em 1948, no Théâtre Marigny , com Zizi Jeanmaire como bailarina principal.

Petit colaborou com Serge Gainsbourg , Yves Saint-Laurent e Baldaccini César e participou em vários filmes franceses e americanos. Ele voltou para a Ópera de Paris em 1965 para montar uma produção de Notre Dame de Paris (com música de Maurice Jarre ). Ele continuou a governar ballets para os maiores teatros da França , Itália , Alemanha , Grã-Bretanha , Canadá e Cuba .

Em 1968, seu ballet Turangalîla provocou uma pequena revolução dentro da Ópera de Paris. Quatro anos depois, em 1972, fundou o Ballet National de Marseille com a peça "Pink Floyd Ballet". Ele dirigiu o Ballet pelos próximos 26 anos.
Para a decoração de seus ballets, ele iria trabalhar em estreita colaboração com o pintor Jean Carzou (1907-2000), mas também com outros artistas como Max Ernst .

Autor de mais de 50 criações em todos os gêneros, ele coreografou para uma infinidade de famosos bailarinos internacionais. Ele recusou-se usar  efeitos técnico gratuito, ele nunca parou de reinventar seu estilo, linguagem, e se tornou um mestre nas artes do pas de deux e da narrativa de ballet, e também bailados abstratas.
Le jeune homme et la mort ("O Jovem ea Morte") de 1946 (libreto de Jean Cocteau ) é considerado sua magnum opus, e é também sua obra mais conhecida, a coreografia e os figurinos são da modernidade surpreendente. Em seu 1949 balé Carmen, ele fez um uso incomum do campo de jogo en, enquanto dava um tratamento não-figurativa para Turangalîla.
Em 1994, foi galardoado com o Prix Benois de la Danse como coreógrafo.

Em 1954, casou com a dançarina Petit Zizi Jeanmaire , que realizou em várias de suas obras. Suas memórias foram publicadas em 1993 sob o título J'ai danse sur les flots (Inglês: Eu dancei no Waves). Ele e Jeanmaire teve uma filha, Valentine Petit, uma dançarina e atriz. [1] [2] [3]
Petit morreu em Genebra, na Suíça , aos 87 anos, depois de uma batalha contra a leucemia.
Petit conservou o rigor da dança clássica mas abrindo uma liberdade para o gesto e para dramatização.